L’art italien de la Renaissance prend son envol à partir des vergetures du passé exhumé de la terre, là où les Antiques ont prospéré jusqu’à la chute de l’empire romain. On a presque tendance à oublier que Rome a décliné bien avant la chute de l’empire romain et que la capitale de l’empire change deux fois avant que la civilisation romaine soit rasée de près par les hordes de barbares qui ravagent l’occident connu en quelques années. Rome est abandonnée comme résidence impériale et le pouvoir éclate entre plusieurs villes comme Milan, Nicomédie ou Trèves. Constantin déplacera la capitale de l’empire à Byzance et ainsi Rome finira secouée par les tremblement de terre, enfouie sous la terre, la végétation et les détritus, démantelée pierre après pierre, saccagée, profanée jusqu’à sa redécouverte. Les cours italiennes partiront à la recherche de ce passé prestigieux oublié en amorçant les premières fouilles archéologiques in situ. C’est d’ailleurs à la fin du XVème siècle qu’on retrouve les vestiges de la Maison Dorée (domus aurea) de Néron dans des circonstances rocambolesques.

Un jeune Romain tomba dans un trou sur les pentes de l’Oppius et se retrouva dans une sorte de grotte couverte de peintures surprenantes. D’autres jeunes artistes explorèrent à leur tour ces salles étonnantes. Les fresques ainsi découvertes inspirèrent un nouveau style de décoration plein de fantaisie, que l’on baptisa «grotesques». Les célèbres artistes Domenico Ghirlandaio, Raphaël et Michel-Ange descendus à leur tour eurent la révélation de ce qu’était l’art antique oublié. On pense que Raphaël en tira une partie de son inspiration pour la décoration des fameuses Loges du Vatican. (Wikipedia)

Toute la Renaissance Italienne se nourrira intensément de ce passé glorifié, magnifié à l’extrême dans toutes les expressions de l’art, notamment grâce à l’invention de la perspective par Filippo Brunelleschi et c’est dans ce contexte qu’en 1570 à Venise, Andrea Palladio, architecte exceptionnel transformant la moindre grange à foin en spectacle architectural colossal (Villa Barbaro) décidera de porter aux nues l’art antique et de l’inscrire comme prolégomènes à toute architecture future dans la somme des Quatre Livres de l’Architecture, écrits en italien, comme le ferait tout bon humaniste de l’époque.
Illustrés de ses propres dessins d’œuvres réalisées ou simplement projetées, ces livres resteront dans les mémoires comme le fondement de l’art classique italien, une bible de référence illustrée magnifiquement, un traité incontournable, encore utilisé aujourd’hui pour comprendre comment s’est déroulée l’élévation des bâtiments de la Renaissance.

L’intégralité du livre est disponible à la consultation et au téléchargement sur le site des Bibliothèques Virtuelles Humanistes – Éditions A Paris : De l’Imprimerie d’Edme Martin, ruë S. Jacques, au soleil d’or. 1650.

Ils sont moins connus que leurs collègue, l’aurige de Delphes et le dieu du Cap Artémision, mais ils font partie de la même famille (dont il ne reste que quatre membres) des grands bronzes arrivés jusqu’à nous dans leur intégralité. Le guerrier A et le B ont été retrouvés au large de Riace, en Calabre, en 1972 par un plongeur amateur, sur le lieu d’un apparent naufrage, et sont conservés au Museo Nazionale della Magna Grecia (ou musée de Reggio di Calabria). Ces statues représentent deux hommes d’âge différent, dans une position qu’on pourrait presque croire identique mais cette posture dite du contrapposto (ou hanchement) comporte une différence de taille qui nous permet de dire que les deux statues, si elles se ressemblent en beaucoup de points, ne sont pas contemporaines et montrent bien l’évolution des canons de la représentation statuaire (1). Comme souvent dans la statuaire grecque, les deux hommes sont plus grands que nature et mesurent 1,97 et 1,98 mètres. Leurs similitudes d’aspect sont frappantes et l’ont est en droit de se poser la question de savoir pourquoi ils se trouvaient tous les deux au même endroit à 300 mètres des côtes par 8 mètres de fond, mais à ce jour, malgré diverses hypothèses, nous n’en connaissons pas la réponse.

Ces deux guerriers sont certainement les plus beaux qui nous soient parvenus, car tant dans leur posture que dans la précision des dessins de la musculature, ils sont simplement à la pointe d’un idéal esthétique. On remarquera également la finesse du traitement du visage, des yeux incrustés d’ivoire et de la chevelure.

Guerrier A

Guerrier B

Guerrier A de dos (superbe fessier)

• Les bronzes de Riace sur Wikipedia
• Nouvelles considérations sur les bronzes de Riace

Notes:
(1) Nous verrons plus tard comment cette posture qui n’a l’air de rien est en fait le nœud de toute une partie de l’histoire de l’art antique et renaissant en commençant avec Polyclète et Praxitèle.

Voici deux extraits de très belles sonates, réédités récemment et interprétées par Brixia Musicalis (Sonate a tre) :

Photo © Uqbar

Sonata XIII in re minore – Grave
(oboe, violino, violoncello, arciliuto & clavicembalo)

Sonata IX in mi minore – Largo, Arcate distese
(violino I e II, violoncello, arciliuto & organo)

Deux extraits du Teseo orchestré par Konrad Junghänel. Étonnamment, les deux rôles d’hommes, Thésée et Égée sont interprétés par des contre-ténors dans cette version audio (sur la photo, c’est une mezzo-soprano qui tient le rôle de Thésée). On ferme les yeux, et on écoute.

Acte I – Aria (Egeo): Ricordati, oh bella

Acte II – Arioso (Medea): Dolce riposo, ed innocente pace

Photo © Haendel Festspiele

Je poursuis ma quête des œuvres baroques les plus belles, les plus spectaculaires, et je trouve dans l’acte I de l’opéra de Haendel (dans l’acte II se trouve le très fameux Lascia ch’io pianga — permettez que je pleure — dont Farinelli aurait fait, selon la légende, un pur moment de plaisir) ces deux arias du très récitatif Radamisto (HWV 12a/12b).
Radamisto, c’est une histoire tragique d’un amour contrarié par un tyran qui convoite la femme d’un autre et se range à la raison en s’en détournant pour revenir vers son épouse.
L’enregistrement est celui d’Alan Curtis avec Il Complesso Barocco (2009)¹.

Le premier aria est Stragi, morti, sangue ed armi, un air martial et entraînant, pompeux de l’amoureux tyrannique Tiridate.
Le second est Tu vuoi ch’io parta, beaucoup plus doux et lancinant, une complainte de la femme bafouée et fidèle Polissena, un des plus beaux morceau de l’opéra.

Note :
(1) Donc, rien à voir avec la photo.

Il aura fallu l’énergie d’une femme pour que je puisse enfin me dire que je pouvais lire et ne pas m’ennuyer dans les livres d’une femme (mis à part certes quelques uns d’Annemarie Schwarzenbach). Et quelles femmes ! La première est proche de mon cœur, la seconde en était aussi éloignée que possible, surtout après que l’on m’ait forcé à lire un de ses livres quand j’étais au lycée. La souvenir négatif n’en était que plus présent et marquant. C’est avec le marin de Gibraltar que j’ai plongé dans la lecture de Marguerite Duras et peut-être dans ce qui sera un renouveau de lecture pour moi. J’y suis allé confiant et je suis ressorti de là avec l’impression nette d’avoir touché quelque chose du doigt, une écriture à la fois fine et rêche, à la fois sensible et tragique. On m’a dit une fois que Duras était la plus américaine des écrivains français, il y a certainement quelque chose de ça.
Rarement, dans tout ce que j’ai lu, je n’ai lu un aussi beau texte sur la chaleur :

A Florence, combien fit-il ? Je ne sais pas. Pendant quatre jours, la ville fut en proie à un calme incendie, sans flammes, sans cris. Angoissée autant que par les pestes et les guerres, la population, pendant quatre jours, n’eut pas d’autre souci que de durer. Non seulement ce n’était pas une température pour les hommes, mais pour les bêtes non plus ce n’en était pas une. Au zoo, un chimpanzé en mourut. Et des poissons eux-mêmes en moururent, asphyxiés. Ils empuantissaient l’Arno, on parla d’eux dans les journaux. Le macadam des rues était gluant. L’amour, j’imagine était banni de la ville. Et pas un enfant ne dut être conçu pendant ces journées. Et pas une ligne ne dut être écrite en dehors des journaux qui, eux, ne titraient que sur ça. Et les chiens durent attendre des journées plus clémentes pour s’accoupler. Et les assassins durent reculer devant le crime, les amoureux se négliger. L’intelligence, on ne savait plus ce que ça voulait dire. La raison, écrasée, ne trouvait plus rien. La personnalité devint une notion très relative et dont le sens échappait. C’était encore plus fort que le service militaire. Et Dieu lui-même n’en avait jamais tant espéré. Le vocabulaire de la ville devint uniforme et se réduisit à l’extrême. Il fut pendant cinq jours le même pour tous. J’ai soif. Ça ne peut plus durer. Cela ne dura pas, cela ne pouvait pas durer, il n’y avait aucun exemple que cela eût duré plus de quelques jours. Dans la nuit du quatrième jour il y eut un orage. Il était temps. Et chacun, aussitôt, dans la ville, reprit sa petite spécialité. Moi non. J’étais encore en vacances.

Marguerite Duras, le marin de Gibraltar. 1952
Folio Gallimard pp. 31-32

Si le trésor a été retrouvé dans un champ, il a été enterré au croisement de Watling Street, la voie romaine parcourant l’île du sud-est au nord-ouest et des vallées de la Tame et de la Trent. Ce n’est sans doute pas un hasard qu’ils soient tous réunis à cet endroit. Autre chose, tous ces objets sont passablement endommagés, tordus, déchiquetés et sont exclusivement des objets militaires ; aucune parure féminine n’a été trouvée, mais étonnamment, aucune lame d’épée non plus. Les objets sont essentiellement religieux ou des parures de guerre, des pommeaux d’épées, etc. et semblent avoir été entassés en plusieurs fois, ce qui laisse penser que l’endroit était en fait un dépôt. On a cru également à un dépôt votif d’armes comme on en trouve en Scandinavie, mais on jetait alors les armes dans des marais, et qui plus est avec leurs lames. L’hypothèse retenue pour l’instant est que l’endroit était en fait une cache servant de gisement pour un remploi futur d’une matière première prête à être refondue et réutilisée.

Conformément au Treasure Act de 1996, la totalité du trésor a été rachetée par l’État, et la somme de 4 millions d’euros a été partagée entre Terry Herbert et le propriétaire du champ.

En France, la dernière découverte de taille a été faite en Arles, grande cité romaine au passé riche. On a trouvé dans le Rhône, immense dispensateur de trésors qui n’ont certainement pas tous été mis à jour, une tête de Jules César en marbre, grandeur nature et réalisée de son vivant. On estime que c’est le portrait le plus réaliste de l’empereur, un portrait au regard dur et froid, à la calvitie naissante.

Le mithraeum d’Angers

Si l’événement a été beaucoup moins médiatisé, car beaucoup moins spectaculaire, il n’en reste pas moins une découverte d’importance. Sur le territoire de la ville d’Angers, a été mis à jour les restes d’un mithraeum (pluriel mithraea), un temple cultuel dédié au Dieu Mithra, une divinité d’origine indo-iranienne dont le culte est très développé à l’époque romaine et très largement diffusé sur le territoire des conquêtes. On le sait peu, mais le Culte de Mithra, culte ésotérique accessible par cooptation, fut pendant quelques temps un concurrent sérieux du christianisme avant d’être interdit, comme tous les autres cultes païens en 391 par l’édit de Théodose. Mais pourquoi des traces de ce culte à Angers, si loin de son lieu de naissance ? Mithra est un dieu guerrier dont le culte s’est surtout développé chez les légionnaires romains. Passablement suspect, il n’était pas de bon ton, dans une Rome qui avait adopté le christianisme comme religion d’état de se déclarer mithraïste. Aussi, les lieux de culte étaient-ils généralement enfouis sous terre, exigus, confinés et ne pouvaient que rarement recevoir plus de quarante personnes à la fois. La découverte d’un de ce lieux à Angers marque les progressions de l’expansion de ce culte sur le continent, qu’on retrouve en réalité jusqu’à Londres.

Les moines ayant découvert ces techniques de conservation vont développer leur savoir faire et redonner à leurs morts — en particulier aux prélats et dignitaires mais aussi aux riches donateurs — l’aspect de vivants dans ces caves pour le moins lugubres en creusant des loculi (niches) dans lesquels les cadavres sont maintenus dans les positions debout à l’aide de câbles et de crochets ou assise sur des trônes percés afin que la gravité permette la descente naturelle des organes en décomposition dans ces vespasiennes à usage unique… Le moins que l’on puisse dire c’est que ces moines ont développé une relation pour le moins étroite avec leurs morts, perfectionnant des techniques passées dans le langage courant des civilisations égyptiennes ou précolombiennes.

L’utilisation de ces lieux de mort a perduré jusqu’aux prémices du XXè siècle avec les très célèbres catacombes capucines (Localisation sur Google Maps) de l’église Santa Maria della Pace de Palerme, dans lesquels on peut voir aujourd’hui des centaines de corps alignés, vêtus de leurs plus beaux atours, souvent les yeux ouverts dans des expressions terrifiantes et dont la seule couleur de la peau et une certaine maigreur laissent penser que ces mannequins ne sont plus en vie. Le corps de la petite Rosalia Lombardo, décédée à l’âge de deux ans et embaumé par le célèbre Alfredo Salafia est aujourd’hui  encore une attraction, qui à mon sens relève plus de l’amusement ou de la performance que d’un rituel mortuaire véritablement “chrétien”.

Photo © Giovy